乾山の作品に「陶芸の素人が焼かせた器」と知ると、あなたはその見方が根本から変わります。
尾形乾山（おがた けんざん）は、寛文3年（1663年）に京都の呉服商・雁金屋の三男として生まれました。6歳上の兄が、琳派の代表絵師として名高い尾形光琳です。裕福な商家に育ちながらも、乾山自身は派手好きな兄とは正反対に、書物を愛し禅に傾倒する内省的な人物でした。
父の死後、25歳で莫大な遺産を相続した乾山は、その財を放蕩に費やした光琳と異なり、仁和寺近くに「習静堂」という書屋を構えて隠遁生活に入ります。この場所の近くには、京焼の祖とも呼ばれる野々村仁清の窯があり、乾山はここで本格的に陶芸を学ぶことになりました。
元禄12年（1699年）、37歳のときに公卿・二条綱平から京都北西部の鳴滝泉谷の山荘を与えられ、窯を開きます。その場所が都の「乾（いぬい）」の方角にあたることから、窯の名を「乾山」と命名。これが後に自らの雅号となり、器のブランドネームとして広く知れ渡ることになります。
乾山の作陶活動は大きく3つの時期に分けられます。①鳴滝泉谷時代（1699〜1712年）、②二条丁子屋町時代（1712年〜1731年）、③江戸入谷村時代（1731〜1743年）です。それぞれの時代で作風が異なるため、時期を把握することが作品理解の第一歩となります。
乾山は81歳で没するまで作陶と絵画制作を続け、現在も東京国立博物館・根津美術館・サントリー美術館・岡田美術館などの主要な文化施設に多数の重要文化財指定作品が収蔵されています。つまり、乾山は一代で「京焼の二大名工」の一人と称されるまでになった人物です。
尾形乾山 - Wikipedia（生涯・代表作・重要文化財一覧を収録）
乾山の作品を語るうえで欠かせないのが、「銹絵（さびえ）」と「色絵（いろえ）」という二つの技法です。両者はまったく異なる印象を持ち、乾山の制作時期によって使い分けられていました。
銹絵とは、鉄を主成分とした絵具を使って器に絵付けをする技法で、焼き上がると茶褐色から黒に近い落ち着いた色合いになります。水墨画を思わせる「わび・さび」の風情が特徴で、特に鳴滝泉谷時代（前期）の作品に多く見られます。白化粧を施した地に鉄絵で草花や山水を描いた向付や角皿は、この時代を代表する作例です。渋い。けれども品がある。これが初期乾山の個性です。
一方、色絵は赤・緑・金彩などを用いた華やかな彩色技法で、二条丁子屋町時代（中期）以降に増えていきます。共同の借り窯を使うようになったことで、「一定の温度でなくても十分に焼ける」工夫が生まれ、色絵の技法が確立されていきました。懐石具を中心に、紅葉・菊・波文・竜田川など琳派らしい文様がカラフルに描かれた向付や鉢は、この時代の代表作です。
なお、乾山が角皿を多く手がけたのは、四角いキャンバスに見立てて絵画的な表現を試みたためです。これは当時の器の常識を大きく破る斬新な発想で、皿を「絵で飾るもの」ではなく「絵そのものを器にする」という逆転の発想でした。これは使えそうです。
| 技法 | 主な特徴 | 多い時代 | 代表的な作品例 |
|---|---|---|---|
| 銹絵（さびえ） | 鉄絵による茶褐色・黒系、水墨画風の渋い表現 | 鳴滝泉谷時代（前期） | 銹絵観鴎図角皿（東京国立博物館） |
| 色絵（いろえ） | 赤・緑・金彩による華やかな彩色、琳派風文様 | 二条丁子屋町時代（中期）〜 | 色絵竜田川図向付（岡田美術館） |
また、乾山は京都で初めて磁器を焼いた陶工の一人でもあります。中国・東南アジア・ヨーロッパなどの海外陶磁の「写し」にも取り組んでおり、その好奇心の幅広さは並の陶工とは一線を画すものでした。技法の多様性が条件です。
サントリー美術館「着想のマエストロ 乾山見参！」展示構成（銹絵・色絵の豊富な作例を解説）
乾山の作品の中で特別な輝きを放つのが、兄・尾形光琳との合作です。乾山が成形と書を担い、光琳が絵付けをするという分業スタイルで、現在約20点ほどが確認されています。
代表格は「銹絵観鴎図角皿」（東京国立博物館蔵、1984年重要文化財指定）です。白化粧を施した楽焼質の角皿に、光琳が水辺に遊ぶ二羽の鷗と人物を描き、乾山が書風の銘款を裏面に記しています。光琳の洒脱な筆致と乾山の端正な書が絶妙に調和したこの作品は、兄弟合作の最高峰と評されています。
また「銹絵鶴図角皿」（藤田美術館蔵）は、中国の詩画軸に倣った作品で、光琳が先に絵を描いて画面をたっぷり使い、後から詩を書いた乾山が窮屈そうに書き込んだ様子が伝わります。兄弟の性格の違いが如実に現れています。意外ですね。
この兄弟合作が生まれた背景には、二人の性格的な対照性があります。社交的で派手好きな光琳と、内省的で質素な乾山は、一見すると正反対。しかし実際には非常に仲が良く、互いの芸術を高め合っていました。乾山が器を作り、光琳が琳派の世界を絵付けとして乗せることで、「暮らしを彩る生活芸術」という琳派の理念が最も鮮明に体現された作品群が生まれたのです。
なお、合作は商業ラインとは別に、実験的・遊び的な要素が強い作品が多いとされています。乾山が器のデザインと生産を工房に任せて「ブランド」として展開していた商業作品とは異なり、合作は二人にとっての創造的な遊び場でした。結論は、合作こそが乾山の最も自由な表現です。
陶器好きの多くは、乾山を「熟練の陶芸家」だと想像しているかもしれません。ところが実態はまったく異なります。乾山の作品のほとんどは、乾山自身が成形・施釉・焼成を行ったわけではなく、プロの陶工に指示して作らせたものでした。
つまり乾山は、現代の感覚でいえば「アートディレクター」あるいは「ブランドデザイナー」に近い存在だったのです。器のデザインとコンセプトを乾山が決め、実際の技術的な制作はプロに委ねる。このシステムこそが、乾山焼の高い完成度を生み出した源泉でした。
この事実が逆説的に面白い点は、素人であるがゆえに当時の陶芸の「常識」に縛られなかったことです。四角い皿、内側にも絵付けされた器、アシンメトリーな文様、型抜きの陶器——こうした当時としては常識破りの造形は、まさに陶芸技術を知らないからこそ生まれたデザインでした。プロなら「焼きにくい」「実用的でない」と躊躇するような発想も、乾山はためらいなく指示できたわけです。
後に思想家の岡倉天心は「光琳より乾山は偉大である」と言い切りました。また近代陶芸家の川喜田半泥子や北大路魯山人もまた「偉大なる素人」として日本の陶芸史に変革をもたらした人物として評価されており、乾山はその草分けと位置付けられています。
工房という制作スタイルを採用したことで、一定水準以上の品質が保たれたことも重要な点です。型を使った成形が多いのも、同じクオリティの製品を複数作るためで、乾山焼が懐石の席で広く使われた実用品として成立していた理由がここにあります。乾山はブランドとして機能させた、ということですね。
和樂web「尾形乾山は偉大なる素人だった」（乾山のデザイナー的側面を詳述）
乾山の名前を冠した作品には、真作のほかに「二代・三代」と名乗った後継者の作品、さらには近代以降に作られた「乾山写し」と呼ばれる模倣品、そして意図的な「贋作」が入り交じっています。この点は、陶器好きが乾山作品を見るうえで絶対に知っておくべき現実です。
中でも有名なのが「佐野乾山真贋論争」です。昭和37年（1962年）、栃木県佐野市の旧家で発見されたとされる焼き物200点が「佐野乾山」として注目を集め、真作か贋作かで大論争に発展しました。川端康成は酷評し、小林秀雄とバーナード・リーチは絶賛するという真っ二つの評価が出た、日本最大の真贋事件とも呼ばれる出来事です。専門家の間でも意見が割れたこの論争は、乾山研究の不確かさを象徴する事件として今も語り継がれています。
では、本物の乾山作品はどれほどの価値を持つのでしょうか。具体的な買取相場を見ると、状態が良い黒楽茶碗で66万〜155万円、茶碗（光琳合作）で約10〜13万円、山水画茶碗で78万〜102万円といった取引事例が確認されています。特に高評価の作品は単体で100万円を超えることもあります。痛いですね。
ただし、真作かどうかの鑑定には通常3〜5万円の費用がかかります。一般的な鑑定機関に持ち込んで真贋だけを確認するだけで、それだけのコストが発生するわけです。乾山作品の場合、「在銘（乾山の銘が入っている）」かつ「二重短冊銘（乾山が自信作に使ったとされる銘の形式）」の有無が真贋判断の重要な手がかりの一つとなります。
作品を売却・購入する前には、必ず複数の専門業者に相談することが原則です。骨董品買取業者の無料査定を複数社で取ることで、大まかな相場感をつかむことができます。
古美術やかた「尾形乾山買取・鑑定について」（鑑定費用・真贋論争の詳細あり）
乾山の死後、その精神と作風は「乾山写し」という形で連綿と受け継がれてきました。乾山写しとは、尾形乾山の意匠・技法を模倣・継承した作品のことで、江戸後期から現代に至るまで多くの陶工たちが取り組んできました。
乾山の名は「二代」「三代」と自称する形で受け継がれましたが、Wikipediaが指摘するように、これは血縁や正式な師弟関係に基づくものではなく、各自が自称したものです。このゆるやかな継承のあり方そのものが、琳派が世襲制も師弟制も持たない特殊な流派であることと重なります。
近代では、イギリスの陶芸家バーナード・リーチが6代乾山に師事して陶芸を学んだことが知られています。リーチはその後、乾山の美意識を欧米の工芸世界に紹介する役割を果たし、日本の民芸運動とも深く結びつきました。乾山の影響は国内にとどまらず、20世紀の国際的な陶芸運動にまで及んでいたということですね。
現代においても、京焼・清水焼の陶芸家たちが乾山写しの作品を制作し続けています。季節の草花や和歌を器に取り込む乾山の手法は、今日の和食器文化に生きています。懐石料理の席で使われる向付や鉢の多くに、乾山の美意識が流れていると言っても過言ではありません。
また、乾山の作品の多くが重要文化財に指定されており、東京国立博物館・MOA美術館・出光美術館・根津美術館・サントリー美術館・岡田美術館などで実物を鑑賞することができます。乾山の展覧会は不定期ながら各地で開催されており、訪問前に各館の公式サイトで最新情報を確認するのが確実です。
古美術八光堂「季節を楽しむ乾山写し」（現代に続く乾山写しの解説）
